Музей зарубежного искусства. Выставка «Европейский пейзаж XIX – начала XX вв.» (Ярославль, 11.08.2019)

Музей зарубежного искусства (филиал ЯХМ). Адрес: г. Ярославль, Советская площадь, д. 2, тел.: (4852) 59-45-30, e-mail: info@yarartmuseum.ru, сайт: http://yarartmuseum.ru, группа Вконтакте: https://vk.com/club71822521. Время работы: с 10 до 18.00, пятница — с 12 до 20 (касса закрывается на час раньше), выходной день — понедельник.

Выставка «Европейский пейзаж XIX — начала XX вв.». Даты проведения: 29.06.2019–15.09.2019. Стоимость билетов: 150 руб. — полный, 100 руб. — льготный. Каждое воскресенье в 15.00 при наличии входного билета по выставке проводятся бесплатные экскурсии.

Музей зарубежного искусства, наверное, самый душевный музей Ярославля. После его посещения всегда остаются самые положительные эмоции, а экспозиции и выставки доставляют поистине эстетическое удовольствие. Так, например, если ваша душа стремится к прекрасному, а глаза истосковались по настоящей красоте, непременно посетите замечательную выставку «Европейский пейзаж XIX — начала XX вв.». Советую на нее сходить именно с экскурсией, которая проводится каждое воскресенье в 15 часов. Сама экскурсия бесплатна (при наличии входного билета), а проводит ее Владимир, человек, хорошо разбирающийся в искусстве, грамотный, интересный рассказчик. Я уже была на его экскурсии по выставке «Попугайчики», от которой остались самые позитивные впечатления. И на этот раз в ходе получасового, совершенно не утомительного рассказа я узнала много любопытной информации. Так что, восхитительный визуальный ряд дополнился новыми знаниями в области искусства. Понравилось, что экскурсовод детально останавливался на представленных школах живописи, делал их сравнительный анализ, рассказывал о художниках, имена которых мне, например, были до этого момента не известны, обращал внимание на технику написания картин, отличительные черты и различные нюансы. Получилось такое полное погружение в мир прекрасного.

Экспозиция располагается в основном выставочном зале первого этажа. Она не особенно большая — всего 14 произведений в тяжелых темных рамах. Все они — из частного собрания московского коллекционера, имя которой не называется. Это картины художников из Италии, Франции, Германии, Австрии, Швеции, Дании конца XIX — начала XX веков. И, как не трудно догадаться, все экспонаты объединены одной темой — изображением природы во всех ее проявлениях, безусловно, прекрасных, гармоничных и совершенных. Я, например, глубоко убеждена, что природа — лучшее творение Мироздания, а человек (в данном случае — художник) — лишь талантливый ретранслятор ее великолепия.

Впрочем, так было не всегда. Примерно до середины XVIII века пейзаж считался чем-то вторичным, фоном для деятельности человека. Изображение природы служило только своеобразной декорацией для бытовых, исторических, батальных сцен и портретов. Такова была эстетика, сохранившаяся еще со средневековья, когда человек считался венцом творения. Но шло время, менялись взгляды. И вот, наконец, пейзаж был признан полноправным жанром. Само слово «пейзаж» (фр. «paysage») происходит от слова «pays» — страна, местность и представляет собой жанр изобразительного искусства, «в котором основным предметом изображения является первозданная, либо в той или иной степени преображённая человеком природа». Впервые пейзаж в качестве самостоятельного жанра заявил о себе именно в рамках европейского искусства. Может быть, потому что именно красоты европейской природы способствовали зарождению этого жанра, как самостоятельного. Так, например, благодатный климат Италии с пышной растительностью, безмятежной водной гладью, ласкающими взгляд сюжетами размеренной жизни, безусловно, привлекал мастеров со всего света. В Италии хотелось жить и творить.

Вот и знакомство с выставкой мы начинаем с картины Джоаккино Ла Пира «Вид на бухту Неаполитанского залива». Именно в этом чудесном местечке сложилась уникальная неаполитанская школа, ставшая центром романтизма в Италии. Сюда съезжались многочисленные любители созерцательного отдыха, о котором желали увести воспоминая. Так стали появляться небольшие картины, выполненные на бумаге либо картоне (в противовес массивным холстам), изображающие Неаполитанский залив во всей его чарующей красоте. Стиль романтизма способствует некоторой идеализации сюжета — ведь зачастую художники того времени работали в мастерских, изображая некогда увиденное по памяти или на основе этюдов, зарисовок, часто приукрашивая их. Ведь это свойство нашей памяти — откладывать только хорошие моменты. Например, вспомните о своей поездке двухгодичной давности — наверняка, все мелкие неурядицы уже позабылись, зато, смотря на свои улыбающиеся лица на фотографиях, вы будете с уверенностью утверждать, как же тогда было хорошо. А картина Джоаккино Ла Пира необыкновенно хороша — такая светлая, легкая, почти воздушная. И именно она задает тон всей выставке, настраивая на любование прекрасными видами.

Несколько иное впечатление оставляет полотно Камиля Коро «В лесу. Поваленное дерево». Художник считается основоположником национальной школы французского пейзажа, его творчество приравнивают к мастерам барбизонской школы, хотя это не совсем так. Дело в том, что к барбизонской школе относят художников, которые длительное время жили в окрестностях деревеньки Барбизон в лесу Фонтенбло, а их отличительной чертой было изображение национального реалистического пейзажа с обыденными мотивами и с участием простых людей, занятых трудом. Камиль Коро в деревеньке Барбизон не жил, однако также изображал родную природу своей страны, которую очень любил. К тому же, с появлением красок в удобных тюбиках мастера получили возможность писать вне стен мастерских, выезжать на природу. Так появилась пленэрная живопись. Художники стремились уловить состояние изменчивости природы, показать переходное состояние: рассвет — рождение нового дня, закат — переход к ночи, капризы погоды — первые лучи солнца после только что отшумевшего ливня. Как итог — запечатлеть конкретный момент — секунду настоящего, готовую сорваться в пропасть небытия, чтобы через мгновение стать прошлым, историей. А также передать свои впечатления от увиденного — ведь в большинстве случаев, смотря на картину, мы все же «видим» глазами художника, то, что он хотел увидеть. Детальная проработка линий отходит на второй план, зато не уловимые глазом, но почти подсознательно ощущаемые метаморфозы наполняются особым смыслом. Идет работа со светом, полутенями, и даже создается впечатление, что воздух на картине начинает вибрировать, наполняться различными цветовыми нюансами. Интересно, что в своей живописи Камиль Коро использовал так называемую систему валеров — это прием, при котором художник использует не более 2–3 основных цветов, при этом растушевывает их таким образом, что границы между ними создают десятки различных оттенков. Так, например, цветовая гамма Коро основана на тонких отношениях серебристо-серых и жемчужно-перламутровых тонов. И еще одни момент. Коро — француз, и с упомянутыми выше барбизонцами его сближает именно любовь к родным красотам. И скромный лесок, и ничем не примечательная деревушка, и спускающееся к речке поле достойны быть запечатленными на века. Когда узнаешь этот факт, становится понятным, почему эту небольшую несколько темноватую картину считают лучшей в коллекции.

А я не могу отвести взгляд от работы еще одного француза — Феликса Зима «Вход во французские сады». Мастер долгое время жил и работал в Италии. Потому в его пейзажах так много ярких, сочных, солнечных красок, словно напитанных неуемной энергетикой этой знойной и темпераментной страны. Невероятно голубое небо, густое золото листвы — эта картина невольно вызывает улыбку, и тебе хочется возвращаться к ней снова и снова. Все-таки, истосковались мы по теплу и ясному небу этим холодным и серым летом. Любопытно и то, что эта картина написана на дереве (вот и еще один необычный материал, помимо уже известных нам бумаги и холста).

После знакомства с мастерами Италии и Франции мы плавно переходим к художникам из Германии. На выставке представлены работы художников дюссельдорфской школы. Это одна из самых влиятельных немецких живописных школ, сформированная группой художников, которые учились и преподавали в Дюссельдорфской академии художеств в первой половине XIX века. Работы ее последователей характеризовались точностью мелких деталей (знаменитая немецкая педантичность!) и причудливостью пейзажей.

Например, очень интересна работа Хайнриха Карлйекеля «Город на берегу озера. Архитектурная фантазия», написанная в классическом стиле. Она напоминает декорацию к театральной постановке (а для классического стиля как раз и была свойственна некоторая театральность). Кажется, что через полуоткрытый занавес (его словно образуют объекты по обеим сторонам картины) мы видим чудесный, почти идиллический пейзаж. Художник показывает нам фантазийный сюжет, словно сошедший со страниц старинных сказок. Пейзажем можно долго любоваться, рисуя в воображении истории о прекрасной принцессе, заточенной в башне замка, и об отважном принце, белоснежный кораблик которого вот-вот покажется из-за поворота.

Вообще, стоит отметить, что именно пейзаж для нас, путешественников, особенно ценен и интересен. Ведь смотря на незнакомые пейзажи, можно вдохновиться на поездку в новое место. Да и сами художники часто работали за пределами родной страны. Как тут не вспомнить солнечную Италию! Для меня же удивительным открытием стали 2 работы немецкого живописца Пауля фон Франкена, на которых изображены знакомые многим отдыхающим на Черноморском побережье виды Кавказа. Оказывается, художник бывал в Москве, Санкт-Петербурге, некоторое время жил в Тбилиси, посещал Ереван. В искусствоведческой литературе он упоминается не иначе как «кавказский художник». Свои картины мастер писал на основе этюдов, уже вернувшись в родную Германию. Оттого его кавказские пейзажи кажутся не слишком узнаваемыми, больше напоминают вполне европейские виды. Вот, вспомните, например, картины того же М. Ю. Лермонтова: на них Кавказ — так Кавказ! Но, тем не менее, улыбнулась. Приятно все-таки осознавать, что зарубежные художники ценили столь любимую красоту седого старого Кавказа.

Ну, и, какая выставка пейзажной живописи без, наверное, самого романтичного вида пейзажа — марины? Морской стихии посвящено сразу несколько работ.

Море на картинах может быть совершенно разным — буйным, разгневанным, угрожающим или наоборот — спокойным, умиротворенным, ласковым.

Помимо романтического и классического направлений на выставке можно увидеть картины, написанные под влиянием импрессионистов и даже в стиле модерн.

Например, мне особенно понравилась работа, изображающая танец вакханок у древних руин. Такое полотно явно было написано по заказу под определенный интерьер. Допустим, картина вполне могла бы украсить гостиную со старинным дубовым гарнитуром, роялем и свечами в массивных канделябрах.

Выставка и экскурсия мне чрезвычайно понравились. Я вообще, если говорить о классической живописи, больше всего люблю пейзажи. Тенистые леса и тихие аллеи парков, величественные горы в дымке облаков и каменистые ущелья, поля, пригорки и опушки, озерная гладь или бескрайняя синь моря — природа, воспетая талантливыми мастерами, восхищает своей первозданной красотой.

11.08.2019